× INICIO ARTISTAS PINTURA ESCULTURA FOTOGRAFIA Y MULTIMEDIA EDICIONES COLLECTION NOSOTROS NOTICIAS CONTACTO
Jean-Michel Basquiat, Defacement (The Death of Michael Stewart), 1983. Acrylic and marker on wood, framed, 63.5 x 77.5 cm. Collection of Nina Clemente, New York. Photo: Allison Chipak © Estate of Jean-Michel Basquiat. Licensed by Artestar, New York

BASQUIAT´S “Defacement”: The Untold Story

Solomon R. Guggenheim Museum New York ( June 21–November 6, 2019)

Una exposición temática de Jean-Michel Basquiat (estadounidense, 1960–1988), estrechamente enfocada, complementada con el trabajo de otros de su generación, explorará un capítulo formativo en la carrera del artista a través de la lente de su identidad y el papel de la cultura. El activismo en la ciudad de Nueva York a principios de los años ochenta. La exposición toma como punto de partida la pintura Defacement (La muerte de Michael Stewart) (1983), que Basquiat creó para conmemorar el destino del joven artista negro Michael Stewart a manos de la policía de tránsito de la ciudad de Nueva York después de presuntamente haber pintado un muro. en una estación de metro East Village. Pintado originalmente en la pared del estudio de Keith Haring, Defacement no estaba destinado a ser visto públicamente ni a estar en el mercado del arte.

Con aproximadamente veinte pinturas y obras sobre papel creadas en los años que rodean la muerte de Stewart, esta presentación examinará la exploración de Basquiat de la identidad negra, su protesta contra la brutalidad policial y sus intentos de elaborar un lenguaje singular y estético de empoderamiento. Pinturas adicionales de Basquiat ilustrarán aún más su compromiso con la conducta indebida de la policía, mientras que otros demostrarán su adaptación de coronas como símbolos para la canonización de figuras negras históricas. También se presentarán eventos relacionados con la muerte de Stewart, incluidos recortes de periódicos y carteles de protesta, junto con muestras de obras de arte de la propiedad de Stewart. También se incluirán pinturas y grabados hechos por otros artistas en respuesta a la muerte de Stewart y al ensayo posterior: Michael Stewart, de Haring, EE. UU. para África (1985); Las pinturas de "cabecera" de Andy Warhol de 1983 que incorporan un artículo del New York Daily News sobre la muerte de Stewart; y la serie de grabados de David Hammons titulada The Man Nobody Killed from 1986 son testimonios de la solidaridad experimentada entre los artistas de la época. Una publicación ilustrada mostrará una visión completamente nueva sobre Basquiat y la floreciente escena artística de East Village a principios de la década de 1980, una época marcada por el auge del mercado del arte, la crisis del SIDA y el activismo político que engendró, y las continuas tensiones raciales en la ciudad.






Juan Uslé I Carbón y Maculares I 2011 - 2018 I Cartulina i técnica mixta I 56 x 71,2 cm. I Foto: Sergio Belinchón

JUAN USLÉ - Notes on SQR

Museu d'Art Contemporani d'Eivissa ( 7 Junio - 31 Octubre 2019)

La Sala de Armas del Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza (MACE) acoge la exposición ‘Notas donde SQR’, una compilación de 34 obras de Juan Uslé (Santander, 1954) entre los años 2011 y 2018 que es la primera ocasión para ver en Ibiza piezas de uno de los artistas españoles con más proyección internacional dentro del arte contemporáneo. Uslé vive y trabaja a caballo entre España y Nueva York desde 1987 y es considerado un referente generacional con una obra que abarca más de cuatro décadas. Su pintura se enmarca en el que se denomina abstracción lírica, posterior al minimalismo. Supera los límites del ilusionismo y el metafórico para hacer una representación sintética y sustancial de la realidad. A través de la memoria y la fotografía, que usa como registro de sus vivencias, el artista propone una evocación de su vida haciendo una deconstrucción de cualquier referente figurativo y otorgando toda la importancia al aspecto pictórico y cromático.

Las primeras obras con el título genérico de SQR (‘Soñé que revelabas’) surgen el 2003. Los 34 dibujos que se exponen al MACE se consideran obras autónomas pero también pruebas para posteriores pinturas de gran formato. Uslé ha organizado estas obras en grupos llamados ‘Carbón y Maculaste’, ‘Sintaxis’, ‘Trama’, ‘Tapas/Freus’, ‘Islas’, ‘Salinas’ y ‘Luz’ y están hechos en pintura acrílica y, en ocasiones, cinta adhesiva y papeles sobre cartulina. Entre las últimas exposiciones del creador, ‘Darki Light’ en el Kuntsmuseum de Bonn o ‘Luz Oscura’ en el Centro Galego de Arte Contemporánea de Santiago de Compostela, las dos en el 2014. Participó el 1992 en Documenta 9 de Kassel y el 2005 en la Bienal de Venecia, además de recibir el 2002 el premio Nacional de las Artes Plásticas, que lo consolida como uno de los artistas más importantes de la actualidad.






Ernesto Neto, Sopro (2019). Vista de la instalación. Foto de Isabella Matheus. Imagen cortesia de la Pinacoteca de São Paulo

ERNESTO NETO - Sopro

La Pinacoteca de São Paulo ( 30 Marzo -15 Julio 2019 )
La Pinacoteca de São Paulo, museo de la Secretaría de Cultura y Economía Creativa del estado de São Paulo y el Banco Bradesco presentan la exposición Ernesto Neto: Sopro [Soplo], que ocupa el Octógono, siete salas de la 1º planta y otros espacios de la Pina Luz. Comisariada por Jochen Volz y Valéria Piccoli, director y curadora jefe del museo, respectivamente, la retrospectiva reúne 60 obras de uno de los nombres más destacados de la escultura contemporánea. Desde el comienzo de su carrera en los años 80, el artista viene produciendo obras que ponen en diálogo el espacio expositivo y las diversas dimensiones del espectador.

Desde una singular comprensión de la herencia neoconcreta, Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), despliega sus primeras esculturas –elaboradas con materiales como calcetines de poliamida, esferas de corcho blanco y especias– en grandes instalaciones inmersivas, que proponen al espectador un espacio de convivencia, pausa y toma de conciencia. Su práctica escultórica nace de la tensión de materiales textiles y técnicas como el croché. Estas grandes estructuras lúdicas acogen acciones y rituales que revelan las preocupaciones actuales del artista: la afirmación del cuerpo como elemento indisociable de la mente y la espiritualidad.






Ninot, 2019, 120 x 120 x 444 cm @ Santiago Sierra y Eugenio Merino

ARCO madrid 2019

Ifema . Feria de Madrid ( 27 de Febrero - 3 de Marzo )

En total participan 203 galerías de 31 países, de las cuales 166 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: ´Perú en ARCO´, con una selección de 24 artistas de 15 galerías; ´Diálogos´, con 13 galerías y ´Opening´, con 21.

Del 27 de Febrero al 3 de Marzo llega a Madrid una nueva convocatoria de ARCO madrid que convierte la capital española en un valorado polo de atracción para coleccionistas, galeristas, artistas y profesionales del arte de todo el mundo. La feria, en su 38ª edición, continúa en su línea de ajustar sus espacios y presentaciones a las necesidades de las galerías e intereses de los comisarios. A la disposición de los artistas peruanos participantes en el programa `Perú en ARCO`, se suma la apuesta de las galerías por la presentación de uno o dos artistas, así como la creciente aportación de proyectos especiales distribuidos por la feria, que ponen en evidencia la complicidad y estrecha colaboración de las galerías con los artistas.






Soledad Sevilla, @ Fundación Bancaja

SOLEDAD SEVILLA - El sentimiento del color

Centro Cultural Bancaja - Valencia ( 21 de Febrero - 30 de Junio, 2019 )

Fundación Bancaja presenta la exposición Soledad Sevilla. El sentimiento del color, la primera retrospectiva que se realiza de la artista en Valencia, su ciudad natal. La muestra, , realiza un recorrido por sus más de cuarenta años de trabajo a través de una selección de 49 obras datadas entre 1975 y 2018 que proceden tanto de la colección propia de la creadora como de otros coleccionistas institucionales y privados.

Comisariada por María de Corral y Lorena Martínez de Corral, la exposición refleja la evolución artística de Soledad Sevilla y su trabajo de representación de la luz y el espacio a lo largo de toda su trayectoria. La muestra se estructura en bloques de sus diferentes etapas y series creativas: el comienzo en los años 70 con un trabajo geométrico como reacción al academicismo propio de la escuela de Bellas Artes y con líneas diagonales que escapan de la tela y dejan lugar a la imaginación y al pensamiento; la introducción del color a finales de los años 70 y la serie Las Meninas, que comienza tras un curso en Harvard sobre el pintor y en la que realiza un estudio no solo sobre la pintura, sino especialmente sobre la representación del espacio; las series La Alhambra y Los Toros, en las que la luz, el agua y las formas manifiestan un momento pleno de utilización de tramas, retículas y módulos como manera de transformar los motivos que le inspiran y las sensaciones y sentimientos en luces y formas; la serie Insomnios, en la que trabaja la naturaleza y la materia tanto del exterior como del interior y muestra tensiones cromáticas y oscuridad; la serie Los Apóstoles, en la que la figuración da paso a la abstracción y la artista relaciona las maderas y las telas para hablar de su amor y conocimiento de la historia del arte; y, por último, las series Nuevas lejanías y Luces de invierno, que reflejan fantasías y sueños mediante una metamorfosis en la luz y el color.






© Art Basel (Courtesy Art Basel)

ART BASEL MIAMI BEACH

Miami Beach Convention Center ( USA ) ( Diciembre 5 – 8, 2019 )

Este año, más de 200 de las principales galerías internacionales de arte moderno y contemporáneo del mundo exponen obras de arte de más de 4.000 artistas, entre los que se incluyen pinturas, esculturas, instalaciones, fotografía, películas, videos y arte digital. Los visitantes pueden encontrar obras que van desde obras de jóvenes artistas hasta obras maestras de museo.






© Jaume Plensa -"Memoires Jumelles", 1992

JAUME PLENSA

MACBA ( Museu d’Art Contemporani de Barcelona ) (1 Diciembre. 2018 al 22 Abril. 2019 )

Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es un artista de materiales, sensaciones e ideas. Sus referencias abarcan la literatura ―en especial la poesía―, la música, la religión y el pensamiento. Él se considera, ante todo, escultor, aunque su proceso creativo ha transitado por múltiples disciplinas. Sus obras apelan a la condición misma del ser: su esencia física y espiritual, la conciencia de sí mismo y de su pasado, sus códigos morales y dogmas y su relación con la naturaleza. Lo que no podemos explicar es, precisamente, lo que nos explica como personas. Su objetivo no es construir objetos, sino desarrollar relaciones e incluirnos a todos en ellas.

La exposición del MACBA cuenta con obras desde la década de 1980 hasta las más actuales, en un recorrido que muestra el diálogo que se produce entre las obras que representan la figura humana y las obras abstractas. Esta tensión es el hilo conductor que atraviesa el conjunto de su trabajo, un corpus que pone de relieve la fuerza de binomios como ligero/compacto, luz/oscuridad, silencio/sonido, espíritu/materia y vida/muerte.

La exposición individual de Jaume Plensa en el MACBA plantea un amplio recorrido por el trabajo de uno de los escultores catalanes con mayor proyección internacional. Galardonado con el Premi Nacional d’Arts Plàstiques de la Generalitat (1997), el Premio Velázquez de Artes Plásticas del Ministerio de Educación y Cultura (2013) y el Premi Ciutat de Barcelona (2015), entre otros, es reconocido mundialmente por su obra pública en ciudades como Chicago, Londres, Montreal, Niza, Tokio, Toronto o Vancouver.






Jaume Plensa, Invisibles, 2018. © Jaume Plensa, VEGAP, Madrid, 2018

JAUME PLENSA - Invisibles

Palacio de Cristal ( Madrid ) ( 16 Noviembre, 2018 – 3 Marzo, 2019 )

Desde sus comienzos como escultor, Jaume Plensa (Barcelona, 1955) recurre a la espiritualidad, el cuerpo y la memoria colectiva como fuentes fundamentales para trabar su expresión plástica. La literatura, la psicología, la biología, el lenguaje y la historia devienen herramientas estratégicas en la creación de sus obras. Con un amplio espectro de materiales (acero, hierro fundido, resina, vidrio, agua o sonido), Plensa proporciona peso y volumen físico a los componentes de la condición humana y lo efímero.

Lo invisible es la esencia de su intervención en el Palacio de Cristal: un grupo escultórico conformado por mallas de acero que dibujan en el espacio los rostros inacabados de figuras suspendidas en el aire, atravesadas por la luz y detenidas en el tiempo.

Artista polifacético, Jaume Plensa ha experimentado por igual con el grabado, el dibujo, el sonido, el vídeo e incluso la escenografía. Es uno de los creadores españoles de mayor proyección internacional. Ha vivido y trabajado en Alemania, Gran Bretaña, Francia y los Estados Unidos.

Tras su primera exposición individual en 1980, en la Fundació Joan Miró de Barcelona, su obra se ha mostrado en museos de todo el mundo, entre ellos la Galerie nationale du Jeu de Paume de Paris, Francia; el Lehmbruck Museum de Duisburg, Alemania; el Nasher Sculpture Center de Dallas, EE.UU.; el Espoo Museum of Modern Art de Helsinki, Finlandia; el Toledo Museum of Art, Toledo, EE.UU.; el Musée d’Art Moderne et Contemporain de Saint Étienne, Francia o el Madison Museum of Contemporary Art, EE.UU.






MICKALENE THOMAS Calder Series #2 -Color photograph 110,5 x 90 x 6 cm © Mickalene Thomas.Courtesy of the artist and Galerie Nathalie Obadia.

PARIS PHOTO 2018

GRAND PALAIS PARIS ( 8 – 11 Noviembre, 2018 )

Este año, la oferta fotográfica en la Feria es rica en diversidad con 167 galerías y 31 editoriales internacionales en la nave, PRISMES mostrando series, grandes formatos e instalaciones, el sector cinematográfico en mk2 Grand Palais, Paris Photo inaugura este año Curiosa, un nuevo sector que propondrá cada año para destacar un tema fotográfico específico. Para esta primera edición, Curiosa abordará el tema de la relación entre el cuerpo y el erotismo.

Además de las galerías y editoriales, nos invitan a descubrir este año un programa artístico ecléctico, que presenta la lúdica y poética colección privada del californiano Nion McEvoy, la Colección de Arte JPMorgan Chase, que reúne 150 años de historia de la fotografía a través de una diversidad de estilos y técnicas, la exposición de Baptiste Rabichon , ganador de la Residencia de artistas de BMW, así como las exposiciones de nuestros socios. No se pierda los PhotoBook Awards de Paris Photo-Aperture Foundation, las conversaciones de Platform y Artist Talks que reúnen figuras de renombre en este campo, numerosas sesiones de firmas de artistas en la Feria, los galardonados de los Alumnos Carte Blanche 2018 y Elles X Paris Photo, una iniciativa del Ministerio de Cultura francés y Paris Photo honrando a las mujeres artistas a través de un festival que destaca obras de arte seleccionadas en la feria y en instituciones de todo París.






Alberto Giacometti Desnudo de pie sobre un pedestal cúbico (Nu debout sur socle cubique), 1953 Yeso pintado 43,5 x 11,7 x 11,8 cm Fondation Giacometti, París © Succession Alberto Giacometti ,VEGAP, Bilbao, 2018

ALBERTO GIACOMETTI - Retrospectiva

Museo Guggenheim Bilbao ( 19 de Octubre 2018 – 24 de Febrero 2019 )

“Ver, comprender el mundo, sentirlo intensamente y ampliar al máximo nuestra capacidad de exploración”. Con estas palabras define y describe el propio artista su impulso creativo a lo largo de toda su trayectoria. La exposición es una retrospectiva dedicada a uno de los escultores-pintores más influyentes del siglo XX, Alberto Giacometti (1901-1966), que iniciaba su itinerancia en mayo de 2017 en la Tate Modern de Londres. Cuenta con el apoyo y numerosos préstamos de la Fondation Giacometti de París, que posee excepcionales y amplios fondos de todas las etapas del artista suizo: desde el periodo cubista y surrealista hasta el corpus de obras realizadas entre los años 40 y el final de su vida. La muestra, compuesta por esculturas, pinturas y dibujos, es una de las más completas dedicadas a la innovadora obra de este artista, que hasta hoy en día ha sido un referente para muchas generaciones de creadores. Únicamente en la Tate Modern y en Bilbao se podrá ver el excepcional conjunto de las Femmes de Venise que se mostró por última vez en su totalidad en la Bienal de Venecia de 1956.






Antropofauna @Manolo Millares

MANOLO MILLARES - Descubrimientos Millares, 1959-1972

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ( 11 de octubre 2018 - 5 de enero de 2019 )

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta en Madrid Descubrimientos Millares, 1959-1972, una exposición que incluye por primera vez la obra gráfica completa de Manolo Millares (Las Palmas de Gran Canaria, 1926 - Madrid, 1972), así como la presentación de su catálogo razonado, obra de Alfonso de la Torre, también comisario de la muestra.

El hecho de que la Calcografía Nacional sea la primera sede de lo que será una posterior itinerancia en las otras instituciones que han coproducido este proyecto –Fundación Juan March, Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo y Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha– refuerza con su prolongación en el Gabinete Goya la fuerte identidad de la obra de Millares, enraizándola en el mismo sentimiento de rebeldía que inspiró la obra del aragonés.

Para Juan Bordes, académico delegado de la Calcografía Nacional, “la obra gráfica, con su vocación de difusión, eleva el grito de libertad de estos dos maestros para trascender los reductos de su pintura. Así, con esta primera sede de la exposición, el paralelo entre Millares y Goya se hace más evidente pues sus obras revolucionarias asumen los mismos riesgos, ya que nacen en el seno de una sociedad con semejantes represiones”.

No parece extraño el interés que Millares mantuvo a lo largo de su trayectoria por el grabado y las técnicas gráficas en general, si se recuerda su fascinación de infancia por los Caprichos (1797-1799) y Desastres de la guerra (1810-1815) que, contemplados mediante reproducciones halladas en 1933 en libros de su casa familiar, ejercerían un poderoso atractivo en el niño y futuro artista.






@ Cristina Iglesias

CRISTINA IGLESIAS : ENTRƎSPACIOS

Centro Botín ( Santander ) (6 de Octubre, 2018 – 3 de Marzo, 2019)

Comisariada por Vicente Todolí, presidente de la Comisión Asesora de Artes Plásticas de la Fundación Botín, CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS acogerá una selección de veintitrés obras creadas por la artista entre 1992 y 2018, siendo algunas de ellas de monumental formato, una práctica habitual en su trabajo.

Galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, el trabajo de Cristina está influenciado por su estancia en Londres en los años 80, donde encontró procesos de materialización de escultura mucho más abiertos. Además, fue en Reino Unido donde comenzó a conectar no solo con la «nueva escultura británica», sino también con la escuela de Düsseldorf. En ese período de descubrimiento se familiariza con el trabajo de Eva Hesse y Robert Smithson, entre otros artistas a los que considera importantes en ese período formativo, aunque su obra la encontramos totalmente aislada de cualquier corriente o tendencia.

A lo largo de su carrera, Iglesias ha definido un vocabulario escultórico único, creando ambientes inmersivos y experienciales que referencian y unen la arquitectura, la literatura e influencias culturales específicas del lugar. A través de un lenguaje de formas naturales y construidas en varios materiales, redefine poéticamente el espacio al confundir interior y exterior, orgánico y artificial, combinando materiales industriales con elementos naturales para producir nuevos espacios sensoriales inesperados para el espectador.

Considerada una de las artistas españolas más reconocidas internacionalmente, en la exposición CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS se presentará una gran selección de piezas, que ocuparán la segunda planta del volumen oeste del Centro Botín al completo y que convivirán en total armonía con su obra en los Jardines de Pereda “Desde lo subterráneo”.

La última gran exposición de Cristina Iglesias en España tuvo lugar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2013, por lo que esta muestra es una oportunidad única de disfrutar de su trayectoria y de su obra más reciente.






Instalación de Tatiana Trouvé, The Shaman, 2018, en el stand de kamel mennour en Frieze London, 2018. © ADAGP Tatiana Trouvé. Cortesía del artista y kamel mennour, Paris/Londres.

FRIEZE LONDON

Regent’s Park ( 4 al 7 de Octubre de 2018 )

Frieze London 2018 mostrará lo mejor del arte contemporáneo internacional, con una selección exigente de alrededor de 160 galerías que presentan a sus artistas más vanguardistas e imaginativas presentaciones. Abriéndose por primera vez con una vista previa de dos días, Frieze London coincide con Frieze Sculpture y Frieze Masters en The Regent's Park, formando la semana más importante del calendario cultural de Londres. El principal socio global, Deutsche Bank, apoya a Frieze London por 15º año consecutivo, continuando con un compromiso compartido de descubrimiento y excelencia artística.

Las nuevas colaboraciones con comisarios, instituciones y galerías internacionales responderán a cuestiones contemporáneas, desde la falta de visibilidad de las mujeres en el mercado hasta sistemas ocultos de comunicación y control, y crearán un entorno excepcional para la creatividad y el descubrimiento.






Joan Miró, Self Portrait (detail), 1919, on canvas, 73 x 60 cm, France, Paris, Musée national Picasso-Paris, Gift Picasso Heritage 1973/1978 © Successió Miró / Adagp, Paris 2018 / Photo Rmn-Grand Palais (musée national Picasso-Paris) / Mathieu Rabeau expo

MIRÓ

Grand Palais ,Galeries Nationales . Paris ( 3 de Octubre 2018 – 4 de Febrero 2019 )

Esta retrospectiva dedicada al gran maestro catalán Joan Miró (1893-1983) reúne cerca de 150 cuadros imprescindibles para dar a esta obra única y excepcional el lugar que se merece en la modernidad. La exposición se celebra cuarenta y cuatro años después de la organizada por Jean Leymarie y Jacques Dupin en este mismo lugar en 1974. Estos préstamos excepcionales procedentes de los principales museos internacionales, europeos y estadounidenses, así como de grandes colecciones privadas, se centran en los periodos clave de Miró, que afirmaba: «La gente entenderá cada vez más que traté de abrir puertas a un nuevo futuro, contra todos los conceptos erróneos, todos los fanatismos». La creación personal y única de Miró lo convierte en uno de los artistas más influyentes del siglo XX, cuya obra irradió fuerza y poesía durante casi siete décadas con una generosidad y originalidad inigualables.

En una escenografía especialmente creada para los espacios del Grand Palais y que evoca el mundo mediterráneo de Miró, cohabitan grandes obras (pinturas y dibujos, cerámica y esculturas, libros ilustrados) que permiten trazar este itinerario marcado por incesantes renovaciones. La muestra comienza en el primer piso, con las épocas fauvista, cubista y detallista, seguidas por la etapa surrealista, donde Miró inventa un mundo poético, desconocido hasta entonces en la pintura del siglo XX. Se trata de unos años muy productivos que plasman los interrogantes del artista, su búsqueda y su paleta de colores siempre al servicio de inusuales y nuevas formas. Miró inventa un lenguaje único, ni abstracto ni figurativo, un viaje poético innovador, en continua evolución y que no deja de sorprender. Su arte nace de la vitalidad de la vida cotidiana para florecer en un mundo hasta ahora desconocido donde los sueños del creador ocupan un lugar privilegiado. «Necesito un punto de partida —dice Miró—, una simple mota de polvo, un rayo de luz. A partir de esta forma puedo crear algo que da lugar a otra cosa. Así, por ejemplo, con un trozo de cable puedo crear un mundo».
Tras el ascenso del fascismo en la década de 1930, Miró inicia una lucha interminable por la libertad y sus «pinturas salvajes» evocan las tensiones sociales y políticas del momento y una libertad expresiva sin precedentes. En la década de 1940, la aparición de Constelaciones, una serie de pequeños formatos excepcionales realizados en Varengeville-sur-Mer, Normandía, ofrece un diálogo con sueños no cumplidos. Poco después, su incursión en el mundo de la cerámica y la escultura dará lugar a piezas que atestiguan también su pasión por la realidad y una parte de la ensoñación a priori inimaginable en tales disciplinas.

Miró transforma así el mundo con una aparente simplicidad de medios: un pequeño símbolo, una huella de dedo o la marca del agua sobre papel, un trazo aparentemente frágil sobre el lienzo, un surco en la tierra combinado con el fuego, un objeto insignificante unido a otro... El artista sabe sacar partido de estas sorprendentes conexiones, de estas insólitas uniones en un universo de metamorfosis poéticas para reinventar nuestro mundo. «Para mí —confiesa Miró—, una pintura debe emitir chispas. Debe deslumbrar como la belleza de una mujer o un poema».






Sean Scully, Wall Dale Cubed, 2018. @ Sean Scully. Cortesía del artista y YSP. Foto @ Jonty Wilde

SEAN SCULLY - Inside Outside

Yorkshire Sculpture Park - ( Wakefield - U.K.) ( 29 de Septiembre, 2018 - 6 de Enero, 2019 )

Explorando conceptos de paisaje y abstracción con la experiencia humana, la exposición une esculturas con importantes pinturas recientes en aluminio, junto con obras en papel. Dibujando ideas pertinentes a la singularidad de YSP y su paisaje, esta es una experiencia poética y robusta que abarca la topografía del Parque y el vigor excepcional de Scully, así como su creencia de que en la vida y en el arte hay un descubrimiento perpetuo.

La exposición presenta a un artista en el apogeo de sus poderes. Con 72 años, es evidente que no hay restricción de la energía, del impulso y la visión de Scully. Muy consciente del trabajo que dominaba las vidas de su familia minera, la práctica de Scully es de gran rigor y trabajo duro, su producción prodigiosa. Para YSP ha realizado nuevas pinturas y esculturas, obras resueltamente contemporáneas que integrarán una inclinación hacia la geometría con la sinceridad romántica de la pintura del paisaje en la tradición histórica.

Scully ha estado trabajando en acero y piedra para crear estructuras poderosas que afirman y subvierten su materialidad. El monumental Wall Dale Cubed (2018) en Lower Park es la última escultura que se relaciona con una serie de pinturas que Scully comenzó en la década de 1990. Esta nueva escultura hecha para YSP usa 1,000 toneladas de piedra de Yorkshire de una cantera local y su construcción duró varias semanas. Haciendo referencia a antiguos muros de piedra seca, como los que se encuentran comúnmente en Yorkshire, México, Egipto y especialmente los de las Islas Aran irlandesas, que Scully ha fotografiado intensamente, esta obra colosal está construida de la misma manera, de modo que "al mirar fuera del bloque, uno puede sentir el interior sin poder verlo '. En contraste, el Crate of Air (2018) de acero de Corten en el Country Park investiga el espacio fragmentado o "cajas de aire" que forman sus propios marcos para ver el paisaje más allá. Las formas angulares que Scully usa en esta escultura resuenan con sus pinturas y se componen de secciones individuales que forman relaciones una vez reunidas. Ubicadas en el paisaje histórico de YSP, estas vastas esculturas metálicas y de piedra demandan una caminata física por el paisaje que se extiende cuesta arriba a través del antiguo terreno de caza de Bretton Estate hasta Longside Gallery.






© Ángeles Marco / Performance presente instante

ANGELES MARCO - Vertigen

IVAM, Institut Valencià d'Art Modern ( 27 de Septiembre 2018 - 6 de Enero de 2019 )

Ángeles Marco (Valencia, 1947-2008) es una de las artistas más importantes de la generación de creadores que protagonizó la renovación de la escultura en España entre las décadas de los años ochenta y noventa del siglo XX. Vinculada a los presupuestos teóricos del postminimalismo y el arte conceptual internacional, su figura y su legado no han sido suficientemente estudiados desde su fallecimiento hace ahora una década.

El IVAM, dentro de su línea de dar visibilidad a las voces femeninas que se han mantenido al margen del discurso historiográfico oficial, presenta una gran exposición antológica dedicada a esta artista fundamental, veinte años después de la muestra, El taller de la memoria, que esta misma institución le dedicara en su espacio del Centre del Carme, y en el que se presentó un conjunto de seis instalaciones monumentales.

Esta nueva exposición dedicada a Marco presenta una cuidada selección de esculturas, dibujos, y abundante material de archivo inédito, significativa de toda su trayectoria, para centrarse tanto en las series de obras de sus inicios (Espacios ambiguos, Entre lo real y lo ilusorio, El Tránsito y Salto al vacío), así como en las obras realizadas a partir del año 2000 hasta el fallecimiento de la artista.






© Bernar Venet

BERNAR VENET -Retrospectiva 2019 -1959

Musée d'Art Contemporain de Lyon ( 21 de Septiembre 2018 - 6 de Enero 2019 )

Esta exposición presenta un conjunto notable y nunca antes visto de 170 obras de arte, incluidas las primeras representaciones de Venet, dibujos, diagramas y pinturas, así como las fotografías, obras de sonido, películas y esculturas que rememoran 60 años de creación. Esta es la retrospectiva más ambiciosa jamás dedicada al artista. Su objetivo es examinar las diferentes etapas que llevaron a cierto joven artista, de veinte años de edad, a principios de la década de 1960 a buscar "eliminar cualquier forma de expresión contenida en la obra de arte para reducirla a un hecho material". Luego se centró en la astrofísica, la física nuclear y la lógica matemática, y se tomó un descanso de 5 años antes de regresar finalmente, aunque de manera inesperada, a su caballete. Estas pinturas fueron seguidas por obras sonoras, poesía y luego por líneas indeterminadas, accidentes, combinaciones aleatorias y dispersiones, que culminaron en las líneas indefinidas y curvas de las esculturas monumentales en acero Corten, dedicadas al espacio urbano.

El trabajo versátil de Bernar Venet sigue siendo poco conocido en la actualidad, en parte porque se exhibe parcialmente, en ciertos "períodos" o se selecciona en términos de un medio específico (sus obras realizadas con alquitrán y esculturas de acero, etc.). Hoy, merece ser visto en su totalidad para que el público pueda obtener una idea de la escala, ambición, complejidad, poesía y simplicidad de su trabajo.
Cuando uno analiza la carrera del artista, descubrimos el contexto en el que nació (la aparición de sucesos en 1959, Nouveau Réalisme [Nuevo Realismo], Fluxus y la Escuela de Niza en la década de 1960, la "invención" del arte conceptual y minimalista en los Estados Unidos, donde Bernar Venet se estableció ya en 1966), así como la relevancia y la calidad de su creación. Este es el objetivo de esta retrospectiva. La exposición está comisariada por Thierry Raspail






© Tadashi Kawamata

TADASHI KAWAMATA - Para-site project

The Pushkin State Museum of Fine Arts ( 25 de Agosto - 28 de Octubre 2018 )

Como parte de la iniciativa del Museo Pushkin XXI, el Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin presenta la primera instalación en Rusia del artista japonés contemporáneo Tadashi Kawamata.
Kawamata crea instalaciones con forma de nido en las áreas de exposición permanente y en la oficina del director, utilizando materiales encontrados durante la deconstrucción de edificios antiguos en el barrio de los museos. Estas instalaciones han sido creadas exclusivamente para el Museo Estatal de Pushkin.






Joana Vasconcelos Marilyn (AP), 2011 © Joana Vasconcelos, VEGAP, Bilbao, 2018

JOANA VASCONCELOS - Soy tu espejo

Museo Guggenheim Bilbao ( 29 de Junio – 11 de Noviembre, 2018 )

Considerada una de las artistas más destacadas de la última década, Joana Vasconcelos trabaja con la escultura y la instalación. Se dio a conocer internacionalmente en la Bienal de Venecia de 2005 donde presentó La novia y en el año 2012 expuso una selección de sus creaciones en el Palacio de Versalles, convirtiéndose en la primera mujer en presentar su obra en este palacio barroco. Los trabajos de Vasconcelos —algunos de gran complejidad técnica— se mueven, tienen sonido o se iluminan, cuestiones que la artista resuelve en su estudio de Lisboa con un numeroso equipo de colaboradores. Para realizarlos, Joana Vasconcelos utiliza muy diversos materiales de la vida cotidiana, como electrodomésticos, azulejos, tejidos, cerámica popular, botellas, medicamentos, urinarios, duchas, utensilios de cocina, teléfonos, coches o cuberterías de plástico. Con ellos construye imágenes impactantes, lúdicas y directas, que se refieren a asuntos sociopolíticos relacionados con las sociedades consumistas, poscoloniales y globalizadas, abordando desde la inmigración a la violencia de género. Su obra incorpora siempre el sentido del humor, sugiriendo además significados abiertos y no dogmáticos, aproximándose, al demandar la participación del espectador en su interpretación y visionado, a las llamadas estéticas relacionales surgidas a finales de los noventa. Rica en referencias externas, desde Louise Bourgeois a la cultura popular, de la orfebrería a la moda, de la artesanía a la ingeniería más avanzada, su obra trata entre sus temas principales la cuestión de la identidad, en todas sus dimensiones, reflexionando sobre su condición de mujer y de artista portuguesa y también europea






Ai Weiwei - Human Flow Film - © Ai Weiwei

ART BASEL 2018

Art Basel (Basel) ( 14 al 17 de Junio, 2018 )

El objetivo principal de Art Basel es el sector de Galerías. Los visitantes descubrirán una amplia gama de obras modernas y contemporáneas, incluyendo pinturas, dibujos, escultura, instalaciones, grabados, fotografía, video y arte digital de más de 4.000 artistas.






Páginas