× INICIO ARTISTAS PINTURA ESCULTURA FOTOGRAFIA Y MULTIMEDIA EDICIONES COLLECTION NOSOTROS NOTICIAS CONTACTO
Antropofauna @Manolo Millares

MANOLO MILLARES - Descubrimientos Millares, 1959-1972

Real Academia de Bellas Artes de San Fernando ( 11 de octubre 2018 - 5 de enero de 2019 )

La Real Academia de Bellas Artes de San Fernando presenta en Madrid Descubrimientos Millares, 1959-1972, una exposición que incluye por primera vez la obra gráfica completa de Manolo Millares (Las Palmas de Gran Canaria, 1926 - Madrid, 1972), así como la presentación de su catálogo razonado, obra de Alfonso de la Torre, también comisario de la muestra.

El hecho de que la Calcografía Nacional sea la primera sede de lo que será una posterior itinerancia en las otras instituciones que han coproducido este proyecto –Fundación Juan March, Fundación Museo del Grabado Español Contemporáneo y Junta de Comunidades de Castilla-La Mancha– refuerza con su prolongación en el Gabinete Goya la fuerte identidad de la obra de Millares, enraizándola en el mismo sentimiento de rebeldía que inspiró la obra del aragonés.

Para Juan Bordes, académico delegado de la Calcografía Nacional, “la obra gráfica, con su vocación de difusión, eleva el grito de libertad de estos dos maestros para trascender los reductos de su pintura. Así, con esta primera sede de la exposición, el paralelo entre Millares y Goya se hace más evidente pues sus obras revolucionarias asumen los mismos riesgos, ya que nacen en el seno de una sociedad con semejantes represiones”.

No parece extraño el interés que Millares mantuvo a lo largo de su trayectoria por el grabado y las técnicas gráficas en general, si se recuerda su fascinación de infancia por los Caprichos (1797-1799) y Desastres de la guerra (1810-1815) que, contemplados mediante reproducciones halladas en 1933 en libros de su casa familiar, ejercerían un poderoso atractivo en el niño y futuro artista.






@ Cristina Iglesias

CRISTINA IGLESIAS : ENTRƎSPACIOS

Centro Botín ( Santander ) (6 de Octubre, 2018 – 3 de Marzo, 2019)

Comisariada por Vicente Todolí, presidente de la Comisión Asesora de Artes Plásticas de la Fundación Botín, CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS acogerá una selección de veintitrés obras creadas por la artista entre 1992 y 2018, siendo algunas de ellas de monumental formato, una práctica habitual en su trabajo.

Galardonada con el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1999, el trabajo de Cristina está influenciado por su estancia en Londres en los años 80, donde encontró procesos de materialización de escultura mucho más abiertos. Además, fue en Reino Unido donde comenzó a conectar no solo con la «nueva escultura británica», sino también con la escuela de Düsseldorf. En ese período de descubrimiento se familiariza con el trabajo de Eva Hesse y Robert Smithson, entre otros artistas a los que considera importantes en ese período formativo, aunque su obra la encontramos totalmente aislada de cualquier corriente o tendencia.

A lo largo de su carrera, Iglesias ha definido un vocabulario escultórico único, creando ambientes inmersivos y experienciales que referencian y unen la arquitectura, la literatura e influencias culturales específicas del lugar. A través de un lenguaje de formas naturales y construidas en varios materiales, redefine poéticamente el espacio al confundir interior y exterior, orgánico y artificial, combinando materiales industriales con elementos naturales para producir nuevos espacios sensoriales inesperados para el espectador.

Considerada una de las artistas españolas más reconocidas internacionalmente, en la exposición CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS se presentará una gran selección de piezas, que ocuparán la segunda planta del volumen oeste del Centro Botín al completo y que convivirán en total armonía con su obra en los Jardines de Pereda “Desde lo subterráneo”.

La última gran exposición de Cristina Iglesias en España tuvo lugar en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en 2013, por lo que esta muestra es una oportunidad única de disfrutar de su trayectoria y de su obra más reciente.






Instalación de Tatiana Trouvé, The Shaman, 2018, en el stand de kamel mennour en Frieze London, 2018. © ADAGP Tatiana Trouvé. Cortesía del artista y kamel mennour, Paris/Londres.

FRIEZE LONDON

Regent’s Park ( 4 al 7 de Octubre de 2018 )

Frieze London 2018 mostrará lo mejor del arte contemporáneo internacional, con una selección exigente de alrededor de 160 galerías que presentan a sus artistas más vanguardistas e imaginativas presentaciones. Abriéndose por primera vez con una vista previa de dos días, Frieze London coincide con Frieze Sculpture y Frieze Masters en The Regent's Park, formando la semana más importante del calendario cultural de Londres. El principal socio global, Deutsche Bank, apoya a Frieze London por 15º año consecutivo, continuando con un compromiso compartido de descubrimiento y excelencia artística.

Las nuevas colaboraciones con comisarios, instituciones y galerías internacionales responderán a cuestiones contemporáneas, desde la falta de visibilidad de las mujeres en el mercado hasta sistemas ocultos de comunicación y control, y crearán un entorno excepcional para la creatividad y el descubrimiento.






Joan Miró, Self Portrait (detail), 1919, on canvas, 73 x 60 cm, France, Paris, Musée national Picasso-Paris, Gift Picasso Heritage 1973/1978 © Successió Miró / Adagp, Paris 2018 / Photo Rmn-Grand Palais (musée national Picasso-Paris) / Mathieu Rabeau expo

MIRÓ

Grand Palais ,Galeries Nationales . Paris ( 3 de Octubre 2018 – 4 de Febrero 2019 )

Esta retrospectiva dedicada al gran maestro catalán Joan Miró (1893-1983) reúne cerca de 150 cuadros imprescindibles para dar a esta obra única y excepcional el lugar que se merece en la modernidad. La exposición se celebra cuarenta y cuatro años después de la organizada por Jean Leymarie y Jacques Dupin en este mismo lugar en 1974. Estos préstamos excepcionales procedentes de los principales museos internacionales, europeos y estadounidenses, así como de grandes colecciones privadas, se centran en los periodos clave de Miró, que afirmaba: «La gente entenderá cada vez más que traté de abrir puertas a un nuevo futuro, contra todos los conceptos erróneos, todos los fanatismos». La creación personal y única de Miró lo convierte en uno de los artistas más influyentes del siglo XX, cuya obra irradió fuerza y poesía durante casi siete décadas con una generosidad y originalidad inigualables.

En una escenografía especialmente creada para los espacios del Grand Palais y que evoca el mundo mediterráneo de Miró, cohabitan grandes obras (pinturas y dibujos, cerámica y esculturas, libros ilustrados) que permiten trazar este itinerario marcado por incesantes renovaciones. La muestra comienza en el primer piso, con las épocas fauvista, cubista y detallista, seguidas por la etapa surrealista, donde Miró inventa un mundo poético, desconocido hasta entonces en la pintura del siglo XX. Se trata de unos años muy productivos que plasman los interrogantes del artista, su búsqueda y su paleta de colores siempre al servicio de inusuales y nuevas formas. Miró inventa un lenguaje único, ni abstracto ni figurativo, un viaje poético innovador, en continua evolución y que no deja de sorprender. Su arte nace de la vitalidad de la vida cotidiana para florecer en un mundo hasta ahora desconocido donde los sueños del creador ocupan un lugar privilegiado. «Necesito un punto de partida —dice Miró—, una simple mota de polvo, un rayo de luz. A partir de esta forma puedo crear algo que da lugar a otra cosa. Así, por ejemplo, con un trozo de cable puedo crear un mundo».
Tras el ascenso del fascismo en la década de 1930, Miró inicia una lucha interminable por la libertad y sus «pinturas salvajes» evocan las tensiones sociales y políticas del momento y una libertad expresiva sin precedentes. En la década de 1940, la aparición de Constelaciones, una serie de pequeños formatos excepcionales realizados en Varengeville-sur-Mer, Normandía, ofrece un diálogo con sueños no cumplidos. Poco después, su incursión en el mundo de la cerámica y la escultura dará lugar a piezas que atestiguan también su pasión por la realidad y una parte de la ensoñación a priori inimaginable en tales disciplinas.

Miró transforma así el mundo con una aparente simplicidad de medios: un pequeño símbolo, una huella de dedo o la marca del agua sobre papel, un trazo aparentemente frágil sobre el lienzo, un surco en la tierra combinado con el fuego, un objeto insignificante unido a otro... El artista sabe sacar partido de estas sorprendentes conexiones, de estas insólitas uniones en un universo de metamorfosis poéticas para reinventar nuestro mundo. «Para mí —confiesa Miró—, una pintura debe emitir chispas. Debe deslumbrar como la belleza de una mujer o un poema».






Sean Scully, Wall Dale Cubed, 2018. @ Sean Scully. Cortesía del artista y YSP. Foto @ Jonty Wilde

SEAN SCULLY - Inside Outside

Yorkshire Sculpture Park - ( Wakefield - U.K.) ( 29 de Septiembre, 2018 - 6 de Enero, 2019 )

Explorando conceptos de paisaje y abstracción con la experiencia humana, la exposición une esculturas con importantes pinturas recientes en aluminio, junto con obras en papel. Dibujando ideas pertinentes a la singularidad de YSP y su paisaje, esta es una experiencia poética y robusta que abarca la topografía del Parque y el vigor excepcional de Scully, así como su creencia de que en la vida y en el arte hay un descubrimiento perpetuo.

La exposición presenta a un artista en el apogeo de sus poderes. Con 72 años, es evidente que no hay restricción de la energía, del impulso y la visión de Scully. Muy consciente del trabajo que dominaba las vidas de su familia minera, la práctica de Scully es de gran rigor y trabajo duro, su producción prodigiosa. Para YSP ha realizado nuevas pinturas y esculturas, obras resueltamente contemporáneas que integrarán una inclinación hacia la geometría con la sinceridad romántica de la pintura del paisaje en la tradición histórica.

Scully ha estado trabajando en acero y piedra para crear estructuras poderosas que afirman y subvierten su materialidad. El monumental Wall Dale Cubed (2018) en Lower Park es la última escultura que se relaciona con una serie de pinturas que Scully comenzó en la década de 1990. Esta nueva escultura hecha para YSP usa 1,000 toneladas de piedra de Yorkshire de una cantera local y su construcción duró varias semanas. Haciendo referencia a antiguos muros de piedra seca, como los que se encuentran comúnmente en Yorkshire, México, Egipto y especialmente los de las Islas Aran irlandesas, que Scully ha fotografiado intensamente, esta obra colosal está construida de la misma manera, de modo que "al mirar fuera del bloque, uno puede sentir el interior sin poder verlo '. En contraste, el Crate of Air (2018) de acero de Corten en el Country Park investiga el espacio fragmentado o "cajas de aire" que forman sus propios marcos para ver el paisaje más allá. Las formas angulares que Scully usa en esta escultura resuenan con sus pinturas y se componen de secciones individuales que forman relaciones una vez reunidas. Ubicadas en el paisaje histórico de YSP, estas vastas esculturas metálicas y de piedra demandan una caminata física por el paisaje que se extiende cuesta arriba a través del antiguo terreno de caza de Bretton Estate hasta Longside Gallery.






© Ángeles Marco / Performance presente instante

ANGELES MARCO - Vertigen

IVAM, Institut Valencià d'Art Modern ( 27 de Septiembre 2018 - 6 de Enero de 2019 )

Ángeles Marco (Valencia, 1947-2008) es una de las artistas más importantes de la generación de creadores que protagonizó la renovación de la escultura en España entre las décadas de los años ochenta y noventa del siglo XX. Vinculada a los presupuestos teóricos del postminimalismo y el arte conceptual internacional, su figura y su legado no han sido suficientemente estudiados desde su fallecimiento hace ahora una década.

El IVAM, dentro de su línea de dar visibilidad a las voces femeninas que se han mantenido al margen del discurso historiográfico oficial, presenta una gran exposición antológica dedicada a esta artista fundamental, veinte años después de la muestra, El taller de la memoria, que esta misma institución le dedicara en su espacio del Centre del Carme, y en el que se presentó un conjunto de seis instalaciones monumentales.

Esta nueva exposición dedicada a Marco presenta una cuidada selección de esculturas, dibujos, y abundante material de archivo inédito, significativa de toda su trayectoria, para centrarse tanto en las series de obras de sus inicios (Espacios ambiguos, Entre lo real y lo ilusorio, El Tránsito y Salto al vacío), así como en las obras realizadas a partir del año 2000 hasta el fallecimiento de la artista.






© Bernar Venet

BERNAR VENET -Retrospectiva 2019 -1959

Musée d'Art Contemporain de Lyon ( 21 de Septiembre 2018 - 6 de Enero 2019 )

Esta exposición presenta un conjunto notable y nunca antes visto de 170 obras de arte, incluidas las primeras representaciones de Venet, dibujos, diagramas y pinturas, así como las fotografías, obras de sonido, películas y esculturas que rememoran 60 años de creación. Esta es la retrospectiva más ambiciosa jamás dedicada al artista. Su objetivo es examinar las diferentes etapas que llevaron a cierto joven artista, de veinte años de edad, a principios de la década de 1960 a buscar "eliminar cualquier forma de expresión contenida en la obra de arte para reducirla a un hecho material". Luego se centró en la astrofísica, la física nuclear y la lógica matemática, y se tomó un descanso de 5 años antes de regresar finalmente, aunque de manera inesperada, a su caballete. Estas pinturas fueron seguidas por obras sonoras, poesía y luego por líneas indeterminadas, accidentes, combinaciones aleatorias y dispersiones, que culminaron en las líneas indefinidas y curvas de las esculturas monumentales en acero Corten, dedicadas al espacio urbano.

El trabajo versátil de Bernar Venet sigue siendo poco conocido en la actualidad, en parte porque se exhibe parcialmente, en ciertos "períodos" o se selecciona en términos de un medio específico (sus obras realizadas con alquitrán y esculturas de acero, etc.). Hoy, merece ser visto en su totalidad para que el público pueda obtener una idea de la escala, ambición, complejidad, poesía y simplicidad de su trabajo.
Cuando uno analiza la carrera del artista, descubrimos el contexto en el que nació (la aparición de sucesos en 1959, Nouveau Réalisme [Nuevo Realismo], Fluxus y la Escuela de Niza en la década de 1960, la "invención" del arte conceptual y minimalista en los Estados Unidos, donde Bernar Venet se estableció ya en 1966), así como la relevancia y la calidad de su creación. Este es el objetivo de esta retrospectiva. La exposición está comisariada por Thierry Raspail






© Tadashi Kawamata

TADASHI KAWAMATA - Para-site project

The Pushkin State Museum of Fine Arts ( 25 de Agosto - 28 de Octubre 2018 )

Como parte de la iniciativa del Museo Pushkin XXI, el Museo Estatal de Bellas Artes de Pushkin presenta la primera instalación en Rusia del artista japonés contemporáneo Tadashi Kawamata.
Kawamata crea instalaciones con forma de nido en las áreas de exposición permanente y en la oficina del director, utilizando materiales encontrados durante la deconstrucción de edificios antiguos en el barrio de los museos. Estas instalaciones han sido creadas exclusivamente para el Museo Estatal de Pushkin.






Joana Vasconcelos Marilyn (AP), 2011 © Joana Vasconcelos, VEGAP, Bilbao, 2018

JOANA VASCONCELOS - Soy tu espejo

Museo Guggenheim Bilbao ( 29 de Junio – 11 de Noviembre, 2018 )

Considerada una de las artistas más destacadas de la última década, Joana Vasconcelos trabaja con la escultura y la instalación. Se dio a conocer internacionalmente en la Bienal de Venecia de 2005 donde presentó La novia y en el año 2012 expuso una selección de sus creaciones en el Palacio de Versalles, convirtiéndose en la primera mujer en presentar su obra en este palacio barroco. Los trabajos de Vasconcelos —algunos de gran complejidad técnica— se mueven, tienen sonido o se iluminan, cuestiones que la artista resuelve en su estudio de Lisboa con un numeroso equipo de colaboradores. Para realizarlos, Joana Vasconcelos utiliza muy diversos materiales de la vida cotidiana, como electrodomésticos, azulejos, tejidos, cerámica popular, botellas, medicamentos, urinarios, duchas, utensilios de cocina, teléfonos, coches o cuberterías de plástico. Con ellos construye imágenes impactantes, lúdicas y directas, que se refieren a asuntos sociopolíticos relacionados con las sociedades consumistas, poscoloniales y globalizadas, abordando desde la inmigración a la violencia de género. Su obra incorpora siempre el sentido del humor, sugiriendo además significados abiertos y no dogmáticos, aproximándose, al demandar la participación del espectador en su interpretación y visionado, a las llamadas estéticas relacionales surgidas a finales de los noventa. Rica en referencias externas, desde Louise Bourgeois a la cultura popular, de la orfebrería a la moda, de la artesanía a la ingeniería más avanzada, su obra trata entre sus temas principales la cuestión de la identidad, en todas sus dimensiones, reflexionando sobre su condición de mujer y de artista portuguesa y también europea






Ai Weiwei - Human Flow Film - © Ai Weiwei

ART BASEL 2018

Art Basel (Basel) ( 14 al 17 de Junio, 2018 )

El objetivo principal de Art Basel es el sector de Galerías. Los visitantes descubrirán una amplia gama de obras modernas y contemporáneas, incluyendo pinturas, dibujos, escultura, instalaciones, grabados, fotografía, video y arte digital de más de 4.000 artistas.






@ Fundació Antoni Tapies

ANTONI TÀPIES - Biografía política

Fundació Antoni Tapies - Barcelona ( 8 de Junio de 2018 - 24 de Febrero de 2019)

La obra de Antoni Tàpies ha atravesado condiciones políticas tan diversas como la posguerra, el franquismo, el antifranquismo y la instauración de la democracia en España. A pesar de la censura, la estética informalista y abstracta de Tàpies se convirtió en signo de una politización silenciosa. Durante los últimos años del franquismo su pintura disfrutó de una agencia indirecta que demuestra una capacidad de movilización insólita. A un nivel internacional, Tàpies triunfó como el representante de una nueva generación de artistas del estado español que sintonizan con el cosmopolitismo del expresionismo abstracto y el art autre impulsado por Michel Tapié. La circulación de sus obras alcanza las citas más destacadas, como la Documenta, la Bienal de Venecia, la Bienal de São Paulo o el Carnegie International. Su exhuberancia formal, y el sentido paradójico e irresoluble de sus piezas, lo convertirán en uno de los representantes más destacados del arte moderno.

La exposición reunirá por primera vez conjuntos y series de obras que a mediados de la década de 1950 y durante la de 1960 establecieron la identidad de Tàpies como uno de los artistas esenciales de la posguerra europea, así como obras que ponen de manifiesto el compromiso del artista con la visualización de las luchas políticas antifranquistas. En el contexto de esta exposición, las piezas del fondo de la Fundació y los préstamos procedentes de colecciones europeas desplegarán la trayectoria de Tàpies a partir de un ejercicio biográfico que, lejos de ilustrar la vida del artista, pretende examinar la vida de las obras sujetas a una circulación que puede activar un sentido rico y polisémico, y donde la política no siempre es reconocible explícitamente.






Bernardí Roig, Wittgenstein House (Viena) , 2017 - © Bernardí Roig, 2018

BERNADÍ ROIG. Films 2000-2018

Es Baluard Museu d'Art Modern i Contemporani de Palma
( 21 de Abril - 2 de Septiembre de 2018 )

Se trata de un proyecto de análisis y revisión del complejo universo del artista mallorquín Bernardí Roig a partir de la presentación y decodificación de su obra audiovisual desplegada en una apasionante disposición escenográfica, como un viaje iniciático entre la apropiación y recreación de sus imágenes y construcciones visuales.

Estos trabajos nos hablan de un insaciable y sinsentido absurdo sisífico donde las figuras solitarias de cada uno de los videos actúan, atrapadas en la repetición de los gestos, en una espiral de lo mismo. Bien sea llevando una lámpara sobre las espaldas, cosiéndose eternamente la boca, dando vueltas con un foco en la cabeza sin poder salir de los espacios claustrofóbicos del racionalismo, subiendo una montaña constantemente para nunca alcanzar las ruinas de la cabaña del filósofo del lenguaje o atrapadas entre la risa y la afonía de los insultos mudos.






Art Paris Art Fair - Photo © Emmanuel Nguyen Ngoc

ART PARIS ART FAIR 2018

Grand Palais - Paris ( 5 al 8 de Abril 2018 )

En 2018 se celebra el 20º aniversario de Art Paris Art Fair. Desde su fundación en 1999, la feria se ha establecido como el principal evento de arte moderno y contemporáneo de la primavera en París. La edición 2018 acogerá 142 galerías que presentan a más de 990 artistas de 73 países que ofrecen una visión general del arte europeo desde la posguerra hasta el día de hoy, dejando espacio para los nuevos horizontes de la creación internacional de América Latina, África, Asia y Medio Oriente.

Abierta a todas las formas de expresión artística, incluyendo video arte y diseño, Art Paris Art Fair ofrece un enfoque temático que enfatiza el descubrimiento y el redescubrimiento. El país invitado de este año es Suiza y la feria también estará mirando la escena artística francesa con un nuevo tema desarrollado especialmente para el vigésimo aniversario, así como las exposiciones monográficas habituales en Solo Show y artistas emergentes en Promesses.






Perspective view of Art Biofarm. © junya.ishigami+associates

JUNYA ISHIGAMIi - Freeing Architecture

Fondation Cartier pour l’art contemporain ( 30 de Marzo - 10 de Junio 2018 )

La Fondation Cartier pour l'art contemporain presenta Freeing Architecture, la primera gran exposición individual dedicada al trabajo de Junya Ishigami. Una figura importante y singular de la escena de la arquitectura joven de Japón, Ishigami-ganador del Premio León de Oro en la Bienal de Arquitectura de Venecia en 2010, es el creador de un trabajo conceptual y poético en el que el paisaje ocupa un lugar importante.

Para la exposición Freeing Architecture, concebida específicamente para la Fondation Cartier, Ishigami revela veinte de sus proyectos arquitectónicos en Asia y en Europa. Estos proyectos se presentan a través de una serie de modelos a gran escala, acompañados de películas y dibujos, que documentan sus diferentes etapas de concepción y construcción. En diálogo con el emblemático edificio de Jean Nouvel, este evento es también la primera exposición individual a gran escala que la Fondation Cartier pour l'art contemporain ha dedicado a un arquitecto.






Marc Chagall "Au-dessus de la ville" 1914-1918 Galerie Nationale Tretiakov @ Adagp Paris 2017

CHAGALL, LISSITZKY, MALÉVITCH. L'avant-garde Russe a Vitebsk (1918-1922)

Centre Pompidou, Paris ( 28 Marzo - 16 Julio 2018 )

La exposición que el Centre Pompidou dedica a la vanguardia rusa de 1918 a 1922 se centra en la obra de tres de sus figuras emblemáticas: Marc Chagall, El Lisitski y Kazimir Malévich. También presenta trabajos de docentes y estudiantes de la escuela de Vítebsk, creada en 1918 por Chagall: Vera Yermoláieva, Nikolái Suietin, Iliá Cháshnik, Lázar Jidékel o David Yákerson.

A través de un conjunto inédito de doscientos cincuenta obras y documentos, este evento pone el foco por vez primera en los años posrevolucionarios en los que, lejos de las metrópolis rusas, la historia del arte se escribía en Vítebsk.






Presos políticos @Santiago Sierra

ARCO madrid 2018

Ifema . Feria de Madrid ( 21 - 25 de Febrero )

ARCOmadrid 2018 reunirá en los pabellones 7 y 9 de Feria de Madrid a un total de 211 galerías de 29 países, de las cuales 160 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: “El futuro no es lo que va a pasar, sino lo que vamos a hacer”, con la colaboración de CNP Partners y una selección de 20 galerías; Diálogos, con 14 y Opening, con 19.






JOAN MIRÓ / Sin título (Diseño para estarcido), ca. 1946. Fundació Joan Miró. © Successió Miró 2018

JOAN MIRÓ . Orden y desorden

IVAM Centre Julio Gonzalez ( 15 Febrero - 17 Junio . 2018 )

La obra de Joan Miró sigue viva, todavía interroga nuestros tiempos. Uno de los referentes de las primeras vanguardias del siglo XX se resiste a ser colocado en el mausoleo de la historia del arte, aquel lugar en el que la creación pierde toda posibilidad de conflicto. La exposición “Joan Miró, orden y desorden” explora los trazos de indisciplina que el artista fue dejando a lo largo de su trayectoria. Ya en sus inicios la disciplina, el aprendizaje, se convierten para él en un cautiverio del que empezará a liberarse al llegar a París.

A partir de aquí, Miró desplegará un singular recorrido en el que el orden artístico y cultural es siempre cuestionado. Su pintura se convierte en un conflicto permanente que explota entre 1969 y 1973; sus personajes mantienen una pugna entre realidad y representación; y su obra se expande hacia la sociedad con su prolífica labor en el campo de la obra pública, los carteles entendidos como grafitis urbanos y su participación en la celebración teatral de la muerte del dictador, Mori el Merma.






Jasper Johns, Painting with Two Balls (1960). Courtesy of photographer Jamie Stukenberg © The Wildenstein Plattner Institute, 2017. © Jasper Johns/VAGA, New York/DACS, London 2017.

JASPER JOHNS - Something Resembling Truth

The Broad Contemporary Art Museum - Los Angeles ( 10 de Febrero – 13 de Mayo, 2018 )

Una exposición histórica, Jasper Johns: "Something Reambling Truth" presenta más de 120 extraordinarias pinturas, esculturas, grabados y dibujos de uno de los mejores artistas de Estados Unidos. Con obras de la colección Broad, con préstamos de más de 50 colecciones públicas y privadas internacionales, la presentación de The Broad es la primera exposición exhaustiva de Jasper Johns en el sur de California en más de 50 años. Una colaboración con la Royal Academy en Londres, Jasper Johns: 'Something Reambling Truth' traza la evolución de la carrera de seis décadas del artista a través de una serie de capítulos temáticos, que abarcan toda la gama de materiales, motivos y técnicas de Johns.






Courtesy Art Basel © Art Basel

ART BASEL MIAMI BEACH 2017

Miami Beach Convention Center ( 7 al 10 de Diciembre, 2017 )

Las principales galerías de América del Norte, América Latina, Europa, Asia y África muestran obras significativas de los maestros del arte moderno y contemporáneo, así como de la nueva generación de artistas emergentes. Pinturas, esculturas, instalaciones, fotografías, películas y ediciones de la más alta calidad se exponen en centro principal de exposiciones. Impresionantes obras de arte a gran escala, películas y performances se convierten en parte del paisaje al aire libre de la ciudad de Miami en las cercanías de Collins Park y SoundScape Park.






David Hockney - John Baldessari, © David Hockney Foto: Richard Schmidt

DAVID HOCKNEY - 82 retratos y 1 bodegón

Museo Guggenheim Bilbao (10 de Noviembre, 2017 – 25 de Febrero, 2018)

Tras la gran exposición de paisajes que el Museo Guggenheim Bilbao le dedicó en 2012, David Hockney se alejó de la pintura, dejó su casa de Yorkshire y regresó a Los Ángeles. Poco a poco, y comenzando por una representación del jefe de su estudio, volvió a la tranquila contemplación que conlleva la pintura de retratos. A lo largo de varios meses, el género del retrato le absorbió totalmente, y comenzó a invitar a su estudio a diferentes personas de su entorno, familiares, amigos y conocidos, entre los que se encontraban trabajadores de su estudio, otros artistas, curators y galeristas.

Todas las obras realizadas en este período tienen el mismo tamaño, muestran al modelo sentado en la misma silla y con el mismo azul de fondo, y todos fueron pintados en el transcurso de tres días. No obstante, el virtuosismo pictórico de Hockney logra que las diferentes personalidades de los modelos afloren en el lienzo de manera cálida e inmediata. Esta exposición presenta los retratos realizados recientemente por David Hockney, con un renovado vigor, que ofrecen una instantánea íntima del mundo artístico de Los Ángeles y de las personas que se han cruzado en el camino del artista en los últimos años.






Páginas