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Anish Kapoor, Mount Moriah at the Gate of the Ghetto, 2022, image © David Levene

ANISH KAPOOR

Galleria dell’Accademia & Palazzo Manfrin ( Venecia, Italia ) ( 20 Abril – 9 Octubre, 2022 )

La Gallerie dell'Accademia di Venezia ha organizado una ambiciosa presentación de trabajos retrospectivos y nuevos de Anish Kapoor, el artista británico famoso por explorar los límites y la materialidad del mundo visible a través de obras que trascienden su objetualidad e invitan a una interacción maravillosa y sustentadora. Otro lugar prestigioso, el histórico Palazzo Manfrin en el distrito de Cannaregio, complementa esta presentación con otra importante selección de obras a gran escala que desafían el género.
Comisariada por el historiador de arte Taco Dibbits, director del Rijksmuseum de Ámsterdam, esta exposición revela la gama completa y visionaria de la práctica de Kapoor, su sensibilidad pictórica y su destreza escultórica.

Anish Kapoor dijo: “La luz y el espacio de Venecia, y las glorias de la colección de la Accademia, han sido una inspiración para mí durante mucho tiempo. He llegado a amar esta ciudad y sus pintores, escultores y arquitectos, y me siento honrado de ser invitado a entablar un diálogo visual con ellos. Espero poder agregar algo al vocabulario de color y forma que ha sido el regalo de Venecia al mundo”.






Te llamaré hoja, 2005. © Soledad Sevilla

SOLEDAD SEVILLA - Te llamaré hoja

Pabellón Villanueva. Real Jardín Botánico ( Madrid )( 29 marzo - 22 mayo 2022 )

Soledad Sevilla (Valencia, 1944), que en 2020 recibió el Premio Velázquez de Artes Plásticas, decidió donar ese año una parte muy importante de su producción artística al Centro Andaluz de Arte Contemporáneo. La artista, afincada entre Granada y Madrid, siempre se ha sentido muy próxima a la escena artística andaluza. Además, entornos como La Alhambra o El Rompido han servido como fuentes de inspiración para algunas de sus series más conocidas. La exposición Soledad Sevilla. Te llamaré hoja cuenta con una selección de obras muy relacionadas con el entorno en el que se exponen: el Pabellón Villanueva del Real Jardín Botánico de Madrid.

Por un lado, los secaderos de tabaco de la Vega de Granada y, por otro, una serie de obras que tienen a los muros vegetales como punto de partida. En ambas series la abstracción y la repetición, característica desde los inicios de su trayectoria, perviven y se acentúan para acabar proporcionando a estos paisajes cierto sentido naturalista. "La creación se estimula con la mirada", como señala la propia Soledad Sevilla, y así ocurrió con la visión de la arquitectura de unos secaderos, que son las primeras obras que se encuentran en el recorrido de la muestra y de donde parte una de las series pictóricas más importantes de su trayectoria. Como queda de manifiesto en la larga y fructífera carrera de Soledad Sevilla, la investigación constante y el incansable hacer demuestran que en la vida no todo es azar, puesto que la voluntad de conocimiento y su experiencia también determinan nuestro ser y estar en el mundo.






Vista de la instalación, Anselm Kiefer, Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce (Andrea Emo), 2022. © Anselm Kiefer. Cortesía Gagosian y Fondazione Musei Civici Venezia. @ Foto Andrea Avezzu

ANSELM KIEFER - Questi scritti, quando verranno bruciati, daranno finalmente un po’ di luce

Palazzo Ducale, Piazza San Marco ( Venecia ) ( 26 Marzo – 29 Octubre, 2022 )

Anselm Kiefer expone una serie de obras nuevas en una instalación de pinturas realizadas específicamente para el lugar en diálogo con uno de los espacios más importantes del Palacio Ducal, la Sala dello Scrutinio, y con la historia de Venecia.
"A veces sucede que hay una convergencia entre momentos pasados ​​y presentes, y cuando se encuentran uno experimenta algo parecido a la inmovilidad en el hueco de la ola que está a punto de romper. Habiéndose originado en el pasado pero perteneciente a algo en el fondo. más que ella, estos momentos son tanto parte del presente como del pasado, y lo que generan es muy importante.” Anselm Kiefer

El Palacio Ducal ha acogido a generaciones de artistas como Giovanni Bellini, Vittore Carpaccio, Tiziano, Veronese, Tintoretto y muchos otros. El espacio monumental de la Sala dello Scrutinio, sede designada para la elección del Dux, está ricamente decorado con pinturas que celebran el poder de la Serenísima República de Venecia.
Las referencias filosóficas y literarias siempre han sido fundamentales para comprender la obra de Anselm Kiefer. La exposición lleva por título "Estos escritos, al quemarse, finalmente darán algo de luz" a partir de las palabras del filósofo veneciano Andrea Emo (1901-1983), cuyos escritos conoció Kiefer hace seis años. El método artístico de Kiefer tiene profundas consonancias con el pensamiento filosófico de Andrea Emo.
En la instalación del Palazzo Ducale, Kiefer también reflexiona sobre la posición única de Venecia, situada entre el norte y el sur, y sobre su interacción entre el este y el oeste, encontrando conexiones igualmente significativas entre las diferentes culturas, la historia de la ciudad y el texto de la obra trágica de Goethe Faust: Segunda parte (1832).






Lawrence Carroll, Vista de la exposición. MADRE Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina

LAWRENCE CARROLL

MADRE Museo d’Arte Contemporanea Donnaregina (Napoli) ( 25 Marzo - 5 Septiembre 2022 )
La exposición, comisariada por Gianfranco Maraniello, es la primera antología del artista tras su muerte en 2019.
Lawrence Carroll (Melbourne 1954 - Colonia 2019) ha sido protagonista de la escena artística estadounidense y, al mismo tiempo, un intérprete cosmopolita de perspectivas poéticas que no se reducen a la historia de las vanguardias y las neovanguardias; su obra, de hecho, no se inscribe en una corriente artística específica, sino que indaga en la posibilidad misma de pintar después y más allá de la primacía de las escuelas y teorías que dominaron la segunda posguerra.

El itinerario expositivo requiere intentar adecuarse a la característica forma de montar sus exposiciones, que siempre ha privilegiado las relaciones espaciales y sentimentales de habitar los lugares por encima de la sucesión cronológica o la compartimentación temática de las obras en clasificaciones paralizantes como ha argumentado el propio Carroll al afirmar: "En mi pintura las formas siempre están cambiando, su misma ubicación en el espacio cambia, esta inquietud del pensamiento y del espíritu es lo que en cierto sentido hace que mis obras estén 'vivas' y las mantiene en movimiento".La exposición está organizada con la colaboración de Lucy Jones Carroll del Lawrence Carroll Archive.






Muta permuta (Mute permute) ©Jean Dubuffet

JEAN DUBUFFET - Ferviente Celebración

Museo Guggenheim Bilbao ( 25 Febrero - 21 Agosto, 2022 )

Al final de la Segunda Guerra Mundial, Jean Dubuffet (1901–1985) comenzó a exponer sus pinturas, que desafiaban los valores estéticos más arraigados. Rechazando los principios de decoro y belleza clásica, así como cualquier pretensión de pericia técnica, Dubuffet se centró en lo ordinario y en lo que a menudo pasa desapercibido, empleando en su obra materiales vulgares, temas prosaicos y un estilo que rehúsa todo signo externo de formación académica. Con esta visión, Dubuffet se enfrentaba a las normas, que, en su opinión, dificultaban la expresión auténtica y menospreciaban la experiencia cotidiana. Sin embargo, su objetivo no solo era revelar cuán anticuadas estaban las convenciones culturales, sino también ilustrar la vitalidad de una existencia libre de ellas. En una ocasión, el propio Dubuffet afirmó: “Me gustaría que la gente viera mi trabajo como una recuperación de valores desdeñados y [. . .], no se equivoquen, como una obra de ferviente celebración”.

A lo largo de su carrera, la producción artística de Dubuffet se caracteriza por un impulso festivo y también por su compromiso con la crítica de la cultura. Sus obras de las décadas de 1940 y 1950 invitan al público a cuestionarse profundamente el concepto de belleza, demostrando que lo ordinario es digno de admiración, ya se trate de piedras, de papel de aluminio arrugado o de pintura espesa. A partir de los años sesenta y hasta mediados de los setenta, Dubuffet pone de manifiesto el potencial de aventura, creatividad y descubrimiento que puede desplegarse como consecuencia de la inmersión en la fantasía. Durante la última década de su vida, se centra en impulsar un replanteamiento de las estructuras más básicas de la mente, imaginando las posibilidades que nacen cuando se contempla el mundo sin las restricciones de las categorías aprendidas. Esta exposición, que consta exclusivamente de obras procedentes de las colecciones del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York y de la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, ofrece un recorrido a través de la producción artística de Dubuffet durante estas décadas decisivas, poniendo de relieve cómo, a través de sus giros y distintos enfoques, el artista mantuvo su proyecto en constante evolución basándose en su empeño por compartir con la audiencia sus nuevas y estimulantes perspectivas.






The End (2009) © Ragnar Kjartansson

RAGNAR KJARTANSSON - Paisajes emocionales

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( Madrid ) ( 22 de Febrero - 26 de Junio 2022 )

El Museo Thyssen-Bornemisza y Thyssen-Bornemisza Art Contemporary presentan Paisajes emocionales, una exposición del artista islandés Ragnar Kjartansson (Reikiavik, 1976) que reúne por primera vez cuatro de sus videoinstalaciones más reconocidas internacionalmente, The Visitors (2012), The Man (2010), The End (2009) y God (2007), además de una serie de acuarelas. La muestra plasma la fascinación de Kjartansson por América, sus paisajes y su música, con obras ambientadas en una granja junto al río Hudson o en las Montañas Rocosas, acompañadas de blues o de jazz, y aprovecha la nueva instalación del museo dedicada al Arte americano en la colección Thyssen para establecer diálogos con pinturas de los siglos XIX y XX.






David Nash, Red Tree, 2021. Photo © Jonty Wilde

DAVID NASH - Full Circle

Bothy Gallery, Yorkshire Sculpture Park and The Weston Gallery ( Wakefield United Kingdom ) ( 19 Febrero – 5 Junio 2022 )

David Nash ha dedicado su vida artística al estudio evolutivo de los árboles y la madera, absorbiendo conocimientos a través de la experiencia y la observación minuciosa durante décadas. Esta nueva exposición en The Weston Gallery está dedicada a los dibujos del artista inspirados en los árboles, desde la observación y el documental, hasta obras abstractas de colores intensos que capturan la esencia de su fuerza vital. La larga asociación de Nash con YSP comenzó hace más de cuarenta años y Full Circle marca una afinidad entre el artista y la organización. A principios de la década de 1980, escribió en una carta sobre su próxima residencia en YSP: “el medio ambiente y la ecología son una primera consideración para mí como artista”. Esta ocupación profética y duradera no solo con la intersección de la naturaleza y el arte, sino también con nuestra relación humana directa con el entorno natural, hace que el trabajo de Nash sea cada vez más pertinente a medida que abordamos la crisis climática. Un aspecto crítico de su admiración por los árboles, y del que podríamos aprender mucho, es que “los árboles toman lo suficiente y devuelven más”.

El dibujo es central y constante en la práctica de Nash como los árboles de los que crece. Es una forma de aprender y comprender su temática, de encontrar forma para las ideas, registrar y responder a las formas de la vida. Las obras en The Weston Gallery, una cantidad significativa de las cuales nunca se han exhibido antes, están animadas por la luz natural que inunda el espacio y resuenan con las vistas del paisaje a larga distancia.
A lo largo de cuatro décadas, una amplia gama de dibujos refleja diferentes procesos y tipos de creación de marcas, desde grafito fino hasta carboncillo grueso y ahumado, y audaces franjas de color logradas mediante la aplicación de pigmento puro sobre tela. Esta simplicidad vista a lo largo de la exposición, es el resultado del hecho de que el artista dibuja inmediata y rápidamente la vida en el paisaje, impulsado por las cualidades particulares de los árboles y sus entornos. Otras obras reflejan a mayor distancia, realizadas en estudio y concentradas en plasmar la sensación de una característica principal como es el color, como tan vibrantemente demuestra Red Tree (2021).






VvsH6 (2006) , © Jordi Cano

Univers JORDI CANO

ACVIC Centre d’Arts Contemporànies ( Vic ) ( 04.02 – 23.04.2022 )

El proyecto “Universo Jordi Cano”se ha estructurado siguiendo unos ámbitos, el primero de los cuales está destinado a construir un retrato intelectual, configurado en base a los referentes culturales que le acompañaron a lo largo de su vida. Referentes que se repetían insistentemente hasta llegar a ser casi obsesivos. Una actitud obstinada, siempre fiel a los autores que en un momento descubrió, se volcó para saber más y de los que nunca se pudo distanciar. Un universo cultural consumido con deleite, que le llevaron a “pensar con los pies, con las manos, con los ojos y con la cabeza”, un ideario aplicado, quizás inconscientemente en un principio, pero que con el tiempo se convirtió en una herramienta pedagógica de primera magnitud.






Effondrement of Arcs, Acero corten 2019 : Lieu d'Art et Action Contemporaine (LAAC), Dunkerque, Francia , Foto: Vincent Bijan, LAAC Dunkerque © Bernar Venet y VG Bild-Kunst, Bonn 2022

BERNAR VENET. 1961 – 2021 60 AÑOS DE PERFORMANCE, CUADROS Y ESCULTURAS

Aeropuerto de Tempelhof Hangar 2 y 3 Berlin (29 de enero – 30 de mayo de 2022)

Más de 150 obras del escultor francés de renombre internacional Bernar Venet muestran todas las facetas de su obra de 60 años. La exposición de 8.000 m2 en los hangares 2 y 3 del aeropuerto de Tempelhof estará abierta a los visitantes a partir del 29 de enero.
Bernar Venet, 1961-2021. 60 años de performance, cuadros y esculturas es la mayor y más extensa retrospectiva del artista francés en todo el mundo hasta la fecha. Abarca toda su compleja y amplia obra como escultor, pintor, artista de performance y artista conceptual radical. La exposición reúne más de 150 obras que reflejan el enfoque intransigente y casi obsesivo del artista para remodelar constantemente su entorno a través del arte. La retrospectiva es la primera de una serie de exposiciones que se mostrarán durante los próximos dos años en los espectaculares hangares 2 y 3 de 8.000 m2 del antiguo aeropuerto Tempelhof de Berlín.

Desde el comienzo en su primer estudio, la exposición recorre la trayectoria de Bernar Venet y la creación de una obra que continúa hasta el día de hoy cuestionándose a sí misma. El escultor francés más expuesto hasta la fecha siempre ha reafirmado su visión del arte, que va mucho más allá de lo formal y espacial. Su esfuerzo todavía está firmemente arraigado en el deseo incontenible de no aceptar simplemente el mundo tal como es, sino de darle su propia perspectiva. Inquebrantablemente directo y convencido de la emotividad y la intención de combinar simbióticamente su existencia con su búsqueda creativa, Venet refleja una vez más su aspiración, en última instancia profundamente optimista, de no reinventar el mundo, sino de cambiar la percepción del espectador.
La exposición está organizada por la Fundación de Bonn para el Arte y la Cultura. El curador es Walter Smerling.






Georg Baselitz, « Die Mädchen von Olmo II », 1981 © Georg Baselitz Photo © Bertrand Prévost - Centre Pompidou, Mnam-Cci / Dist. RMN-GP

BASELITZ - La retrospectiva

Centre Pompidou - Paris ( 20 oct 2021 - 7 mar 2022 )

La retrospectiva es la primera exposición completa del artista alemán en el Centre Pompidou. La muestra reúne, cronológicamente, sus obras maestras de las últimas seis décadas y revela sus periodos creativos más significativos: desde las primeras pinturas y el manifiesto Pandemonium a principios de los 60 hasta la serie Héros, desde sus Compositions fracturées a los motivos invertidos pasando por los conjuntos sucesivos de obras para los que el artista experimenta magistralmente con nuevas técnicas pictóricas de variada estética, nutrido por referencias a la historia del arte y su profundo conocimiento de la obra de numerosos artistas como Edvard Munch, Otto Dix o Willem de Kooning, hasta las pinturas rusas y las creaciones autorreflexivas Remix y Time.

Inclasificable, oscilando entre la figuración, la abstracción y un enfoque conceptual, Georg Baselitz declara pintar imágenes que aún no han existido y exhumar lo rechazado en el pasado: «Nací en medio de un orden destruido, en un pueblo en ruinas, una sociedad en ruinas. Y yo no quería introducir un nuevo orden. Había visto ya demasiados, así llamados, órdenes. Tenía que cuestionarlo todo, volver a ser naïf, empezar de nuevo. No tengo ni la sensibilidad ni la educación ni filosofía de los manieristas italianos. Pero yo soy un manierista en el sentido de deformar las cosas. Soy brutal, ingenioso y gótico»
Íntimamente ligada a la experiencia y la imaginación del artista, la poderosa obra de Georg Baselitz revela su continuo cuestionamiento sobre las posibilidades de la representación de sus recuerdos, variaciones de técnicas y motivos tradicionales en la pintura, formas estéticas establecidas a lo largo de la historia del arte, así como formalismos dictados y vehiculados por los diversos regímenes políticos y estéticos de los siglos XX y XXI, demostrando la complejidad de ser pintor en la Alemania de la posguerra.






Sebastião SALGADO/nbpictures

Amazônia - Sebastião Salgado

Science Museum, Exhibition Road, South Kensington, London (13 Octubrer 2021 – 20 Marzo 2022)

"Lo que quiero es crear una discusión sobre lo que está sucediendo en todo el mundo y provocar un debate con estas imágenes", dijo una vez Sebastião Salgado, quien fundó el Instituto Terra, una organización sin fines de lucro que ha convertido 17,000 acres de selva amazónica en una reserva natural y se dedica a la reforestación, conservación y educación ambiental. Al regresar a Londres por primera vez desde 2013, las 200 fotografías en blanco y negro del fotoperiodista en el Museo de Ciencias demuestran tanto la delicadeza como la urgencia de la existencia del Amazonas. Desde las comunidades más afectadas por la crisis climática hasta los líderes indígenas cuyas voces Salgado pretende amplificar, es una colección conmovedora, provocativa y desafiante que tardó siete años en realizarse e involucró el trabajo en estrecha colaboración con 12 comunidades diferentes.






René Magritte. 'El gran siglo', 1954. Óleo sobre lienzo, 50 x 60 cm. Kunstmuseum Gelsenkirchen, lb 65/27. © René Magritte, VEGAP, Madrid, 2021

RENÉ MAGRITTE - La máquina Magritte

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza ( Madrid ) ( 14 Septiembre de 2021 - 30 de Enero de 2022 )

El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza presenta la primera retrospectiva de René Magritte (Lessines, 1898 - Bruselas, 1967) que se celebra en Madrid desde la que le dedicó la Fundación Juan March en 1989 con enorme éxito de público. Su título, La máquina Magritte, destaca el componente repetitivo y combinatorio en la obra del gran pintor surrealista, cuyos temas obsesivos vuelven una y otra vez con innumerables variaciones.
Comisariada por Guillermo Solana, director artístico del Museo, la muestra reúne más de noventa pinturas y una instalación en la Sala Balcón Mirador de una selección de fotografías y películas domésticas realizadas por el propio pintor.

La obra de Magritte introdujo en el arte de nuestro tiempo planteamientos de gran originalidad e imágenes de gran belleza. Su trabajo pictórico, en el que las estructuras racionales establecidas se ponen en entredicho y los valores temporales, espaciales y lingüísticos aceptados se cuestionan en favor de otros modos posibles de entender el mundo, reflejan muchas de las preocupaciones del movimiento liderado por André Breton.
Pero más que seguir intereses comunes del surrealismo, como el sueño propiamente dicho o la psicología profunda, Magritte investigó modos alternativos de afrontar la realidad partiendo de una idea fundamental: la forma en que las cosas “son” no es más que una estructura racional aceptada colectivamente. La libertad se desarrolla cuando esos parámetros de conocimiento se ponen en entredicho y se abren otros nuevos.
La muestra se divide en siete secciones: Los poderes del mago, Imágenes y palabras, Figura y fondo, El cuadro y la ventana, El rostro y la máscara, Mimetismo y Megalomanía






Grand Palais Éphémère - © Wilmotte & Associés Architectes

ART PARÍS 2021

Grand Palais Éphémère ( Del 9 al 12 de Septiembre 2021 )

Art Paris será el primer evento artístico que se celebrará en el Grand Palais Éphémère en el Champ-de-Mars, una espectacular estructura adecuada para el siglo XXI diseñada por Jean-Michel Wilmotte.
Esta 23ª edición, con unas 140 galerías de arte moderno y contemporáneo de 23 países (y la destacada llegada de varias de las principales galerías) presentará una destacada selección de obras. Una feria tanto regional como cosmopolita, Art Paris acoge grandes y prestigiosas galerías junto a pequeños independientes principalmente de Europa, pero también de lugares tan remotos como Corea del Sur, Colombia, Costa de Marfil, Guatemala y Uruguay.

El tema principal de la edición 2021 es el regreso a la pintura. En Retrato y figuración, un enfoque en la escena francesa, el comisario independiente de exposiciones Hervé Mikaeloff presenta su perspectiva sobre el resurgimiento de la pintura figurativa en Francia con una selección de 20 artistas de entre las galerías expositoras.
Art Paris también fomenta la presentación de exposiciones monográficas, veintiséis este año, al tiempo que apoya a las galerías jóvenes y a los artistas emergentes en la sección "Promesas", que ofrece una perspectiva de futuro con galerías contemporáneas de vanguardia de Abidjan, Ciudad de Guatemala, Marsella. y París.






Alexander Calder, Five Swords, 1976, Sheet metal, bolts, paint, 541 x 671 x 884 cm / 213 x 264 x 348, Calder Foundation, New York © 2021 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS), New York. VG-Bildkunst Bonn, 2021 / Photo: David von Becke

ALEXANDER CALDER . Minimal / Maximal

Neue Nationalgaleri Berlin. ( 22.08.2021 - 13.02.2022 )

Alexander Calder (1898-1976) ha estado estrechamente asociado con la Neue Nationalgalerie durante décadas, gracias a su obra maestra Têtes et Queue (1965). La escultura al aire libre se instaló para la inauguración de la icónica obra de arquitectura de Mies van der Rohe y ahora regresa a la terraza del museo para su reapertura.
Los móviles, estables y móviles de pie del modernista estadounidense van desde la miniatura hasta lo monumental. Esta exposición traza la relación única entre el tamaño, la escala y la espacialidad en las obras de Calder, al tiempo que yuxtapone sus formas orgánicas con la estricta geometría del edificio de Mies van der Rohe en un diálogo poético.
El enfoque abierto y experimental de la instalación, que se concibió específicamente para la sala de cristal de la Neue Nationalgalerie, se basa en la participación de los visitantes, que podrán experimentar algunas de las obras de Calder en movimiento. Algunas de las obras de Calder se activan en diferentes momentos, hasta cuatro veces al día.






David Hockney, No. 323, 13th May 2020. iPad painting. © David Hockney.

DAVID HOCKNEY: The Arrival of Spring, Normandy, 2020

Royal Academy of Arts ( London ) ( 23 Mayo — 26 Septiembre, 2021 )

David Hockney es uno de los artistas británicos más importantes del siglo XX y sigue siendo uno de los más creativos.
A lo largo de su carrera, ha investigado nuevas tecnologías y ha explorado diferentes formas de hacer arte, comenzando con su iPhone en 2007 antes de adoptar el iPad y Stylus en 2010.
Este nuevo cuerpo de trabajo - 116 obras en total - ha sido "pintado" en el iPad y luego impreso en papel, con Hockney supervisando todos los aspectos de la producción.

Como señala el propio Hockney, trabajar en el iPad requiere la habilidad de dibujar y pintar. Cada obra, que se ha impreso mucho más grande que la pantalla en la que se creó, le permite ver cada marca y trazo de la mano del artista.
Realizada en la primavera de 2020, durante un período de intensa actividad en su casa de Normandía, esta exposición traza el desarrollo de la primavera, de principio a fin, y es una celebración alegre de las estaciones.
Inaugurada exactamente un año después de que se realizaron las obras durante la pandemia mundial, esta exposición será un recordatorio de la constante renovación y maravilla del mundo natural y la belleza de la primavera.






@ Miquel Barceló - @ photo Phllippe Chancel

MIQUEL BARCELÓ - Ressac

Villa Carmignac, Porquerolles ( 20 mayo - 17 octobre 2021 )

De una isla a otra, de Mallorca a Porquerolles, desde su estudio catalán en Villa Carmignac, Miquel Barceló sitúa su obra en una continuidad mediterránea. Haciéndose eco de La Mer imaginaire, se le dio carta blanca para transformar toda la galería abovedada de la Villa.
Artista profundamente insular, extrae del mar, la arena, incluso el paisaje marino, el material de su inspiración. Ressac es una pintura que se penetra, hecha de sucesivas capas de yeso y arcilla que abarca todos los volúmenes y superficies del espacio: paredes, pisos y paredes de vidrio. Pintura proyectada sobre la arquitectura, evoca el movimiento de una ola violenta sobre sí misma. Este paisaje devastado representa para Miquel Barceló el estudio del pintor, transformado en una extraña cueva seca, después de que la ola se ha retirado, el agua se ha evaporado.

Sumergidos por este maremoto, como una Pompeya marina, objetos, humanos y animales - pulpos, pez espada, bisontes ... - protectores o depredadores, quedan atrapados en la arcilla. El golpe de mar hizo efecto, revelando rastros de una vida antigua en las paredes, como arte rupestre, que parecían vincular esta obra marina con sus orígenes.






Georgia O'Keeffe Estramonio. Flor blanca n.º 1 1932 Óleo sobre lienzo, 121,9 × 101,6 cm Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, Arkansas, 2014.35 © Georgia O’Keeffe Museum, VEGAP, Madrid, 2021 Photography by Edward C. Robison III

GEORGIA O´KEEFFE

Museo Nacional Thyssen-Bornemisza (Madrid) ( 20 de Abril - 8 de Agosto, 2021 )

El museo presenta la primera retrospectiva en España de Georgia O’Keeffe (1887-1986). A través de una selección de aproximadamente 90 obras, el visitante puede sumergirse en el universo pictórico de esta artista, considerada una de las máximas representantes del arte norteamericano del siglo XX.

La exposición es un recorrido completo por la trayectoria artística de O’Keeffe, desde las obras de la década de 1910 con las que se convirtió en una pionera de la abstracción, pasando por sus famosas flores o sus vistas de Nueva York -gracias a las que fue encumbrada como una de las principales figuras de la modernidad de su país-, hasta las pinturas de Nuevo México, fruto de su fascinación con el paisaje y la mezcla de culturas de este remoto territorio.






Alexander Calder. Sandy’s Butterfly. 1964. Painted stainless sheet steel and iron rods, 12′ 8″ x 9′ 2″ x 8′ 7″ (386 x 279 x 261 cm). The Museum of Modern Art, New York. Gift of the artist. © 2021 Calder Foundation, New York / Artists Rights Society (ARS),

ALEXANDER CALDER : Modern from the Start

The Museum of Modern Art ( New York ) ( 14 de Marzo, – 07 de Agosto, 2021 )

Alexander Calder reinventó la escultura como un experimento en el espacio y el movimiento, cambiando las nociones centenarias de que la escultura debe ser estática, arraigada y densa al crear obras de arte que a menudo se mueven libremente e interactúan con su entorno. "Uno de los objetos de Calder es como el mar", escribió el filósofo Jean-Paul Sartre, "siempre comenzando de nuevo, siempre nuevo". Al reunir las primeras figuras de alambre y madera, obras en papel, joyas, móviles en movimiento y esculturas abstractas monumentales, la exposición profundiza en toda la amplitud de la carrera y la inventiva de Calder.
Las obras de arte en constante cambio de Calder invitan a la atención sostenida del espectador; y el Museo de Arte Moderno ha proporcionado un escenario para este intercambio productivo desde que su obra se exhibió por primera vez aquí en 1930, pocos meses después de que el Museo abriera sus puertas. Esta exposición analiza el trabajo de Calder a través de la lente de esta conexión. A lo largo de los años de formación del MoMA, Calder, en su papel no oficial como "artista de la casa", fue llamado a producir varios trabajos por encargo, entre ellos Lobster Trap y Fish Tail, un móvil multicolor que cuelga en la misma escalera para la que fue hecho en 1939. Sus obras han sido un pilar de las galerías del Museo y del Jardín de Esculturas desde entonces.
Extraída de la colección del MoMA y aumentada con préstamos clave de la Fundación Calder, la exposición celebra a uno de los artistas más queridos del siglo XX y presenta obras pocas veces vistas, incluido el Man-Eater a gran escala con banderines, que se exhibirá en el Jardín de Esculturas por primera vez en más de 50 años después de una nueva conservación.






Los Totems de Miquel Barceló en la exposición del Museo Picasso Málaga. © Miquel Barceló, VEGAP, Málaga, 2021

MIQUEL BARCELÓ . Metamorfosis

Museo Picasso Málaga ( 27 Enero. - 26 Septiembre . 2021 )

El Museo Picasso Málaga presenta la exposición Miquel Barceló. Metamorfosis, que toma su nombre del célebre relato de Franz Kafka publicado en 1915, con cerca de cien obras realizadas entre 2014 y 2020 que podrán contemplarse desde el 27 de enero de 2021. Tras más de una década de ausencia en Málaga el artista reúne en exclusiva una selección de obras realizadas en los últimos años: treinta cerámicas, trece pinturas, cuarenta y dos acuarelas, seis cuadernos de viaje y una pequeña escultura; así como una instalación compuesta por siete bronces de gran tamaño que se ha instalado en el patio central del museo.

La mutación, la movilidad y la transición son algunas características propias en la obra del artista mallorquín, cuyo mundo creativo verifica una permanente metamorfosis desde el principio de su trayectoria. El paso del tiempo y la alquimia de los materiales destacan como elementos del hilo conductor de esta muestra que cuenta con la colaboración de Fundación “la Caixa”.

La exposición Miquel Barceló. Metamorfosis, comisariada por Enrique Juncosa, pone la atención en la condición cultural trashumante del artista, a la vez que supone un planteamiento crítico de la creación entendida como proyecto de progreso ilimitado: cada una de sus obras nos lleva a otra, en un proceso de reinvención cíclica. Partiendo de la realidad que mira, vive, lee e imagina las representaciones incluyen matices sociológicos o ecológicos, al mismo tiempo que expresan una apasionada vida interior. Su obra ha sido expuesta en prestigiosas instituciones de todo el mundo como el Museo de Prado, Madrid; el Musée du Louvre, Paris; o la Galleria Nazionale d’Arte Moderna, Roma, entre otras.

Al igual que para Pablo Picasso, también para Barceló la cerámica, la pintura o el dibujo son variaciones, experimentos de un todo: “Cada obra es experimental, cada obra es un ensayo para otra, que no existirá probablemente jamás, y eso creo que es tan válido para mi pintura como para mi cerámica o para cualquier cosa que salga de mi mano”. Afirma el mallorquín que lo que ha recibido de Picasso es “una especie de influencia genérica, una manera de relacionarse con la vida, una forma de estar en el mundo”. La reanudación constante de la búsqueda, la versatilidad en la exploración de nuevos soportes, la interrelación entre diversas técnicas y periodos artísticos, una manera de trabajar incesante y vertiginosa, la riqueza cromática, el discurso con la gran tradición, la fascinación por la mitología y el simbolismo arcaico de la tauromaquia o las ilustraciones de libros, hermanan de alguna manera a estos dos artistas españoles, tan cosmopolitas como hijos del Mediterráneo, artífices de un arte tan primitivo como irresistiblemente moderno.






Vasily Kandinsky Líneas negras (Schwarze Linien), diciembre de 1913 Óleo sobre lienzo, 130,5 × 131,1 cm Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Colección Fundacional Solomon R. Guggenheim, por donación 37.241 © Vasily Kandinsky, VEGAP, Bilbao 2020

KANDINSKY

Museo Guggenheim Bilbao ( 20 de Noviembre, 2020 - 23 de Mayo, 2021 )

Pionero de la abstracción y reconocido teórico de la estética, Vasily Kandinsky (Moscú, 1866–Neuilly-sur-Seine, Francia, 1944) es uno de los artistas más innovadores de comienzos del siglo XX. Su propósito de liberar a la pintura de sus vínculos con el mundo natural le llevó a descubrir una temática nueva basada únicamente en la “necesidad interior” del artista, cuestión que le acompañaría toda su vida.

Durante las décadas de 1900 y 1910, cuando vivía en Múnich, Kandinsky comenzó a explorar las posibilidades expresivas del color y la composición. Sin embargo, el estallido de la Primera Guerra Mundial en 1914 le obligó a abandonar Alemania. Al regresar a su Moscú natal, el vocabulario pictórico de Kandinsky empezó a reflejar los experimentos de corte utópico de la vanguardia rusa, que otorgaban gran importancia a las formas geométricas con el propósito de establecer un lenguaje estético universal. Posteriormente, Kandinsky se unió como docente a la Bauhaus, la escuela de arte y diseño con la que compartía su convicción de que el arte es capaz de transformar al ser humano y a la sociedad. Nuevamente obligado a abandonar Alemania cuando la Bauhaus fue clausurada bajo la presión de los nazis en 1933, Kandinsky se afincó en las afueras de París, donde la influencia del Surrealismo y las ciencias naturales se hizo patente en el empleo del biomorfismo en su iconografía.






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